Vietnam

Bahía de Halong:

Sapa:

Ninh Binh:

Hué:

Hoi An:

Túneles de Cu Chi:

Saigón:

Mui Né:

Dalat:

Asurbanipal

Fue el último gran rey de Asiria, y su reinado tuvo lugar entre los años 668 y 627 antes de nuestra era. Su país nació "entre ríos", la Antiquísima Mesopotamia, una civilización que tuvo lugar entre los territorios que hoy sitúan a Iraq, Irán, Siria y otros límites en el mapa. Ésta se formó de una conglomeración de grupos nómadas que se fueron asentando en el rico territorio que favorecía el cultivo y el ganado; pero la sucesión de unos y otros en el poder (sumerios, acadios, asirios, babilónicos) tuvo como resultado dificultades políticas y económicas, incesantes guerras y una cultura muy diversa. Eran demasiado comunes las confrontaciones y las conquistas cuando reinó Asurbanipal, incluso entre Asiria, su país, y Babilonia, el de su hermano. En sus últimos años hubo paz, pero ésta desapareció a su muerte, cuando sus hijos se disputaron el trono. 

 Las personas de la Antigua Mesopotamia (civilización desarrollada desde la prehistoria hasta la caída del imperio caldeo o neobabilónico por la conquista persa) habían inventado la rueda, la moneda, el arado y la irrigación artificial. En su territorio tuvo lugar la metalurgia del cobre y del bronce. Desde aquellos raros templos escalonados (zigurats) observavan el cielo, estudiaban astrología, conocían el movimiento de los astros y podían preveer fenómenos con antelación. Habían inventado el sistema decimal y el sexagesimal y lo aplicaron al comercio, resolvieron ecuaciones de tercer grado, y casi alcanzaron el valor del número Pi. La cerámica se había desarrollado aquí antes que en cualquier otro lugar, durante el Neolítico, llamado "pre-cerámico", y el vidrio tomó forma en el II milenio a.C... No era común entre los reyes de la antigüedad leer y escribir, sin embargo Asurbanipal sí sabía. A él debemos la construcción de la gran Biblioteca de Nínive y su legado (la constuirian esclavos seguramente), que ha conservado de 20.000 a 30.000 tabletas de escritura cuneiforme, y 1.200 textos distinguidos que hoy se estudian todavía. Textos proféticos. Textos de astronomía. El poema de Gilgamesh... El esplendor asirio era evidente en su reinado. Afloraron la cultura y las artes. Asurbanipal expandió el territorio asirio hasta Tebas e hizo campañas militares en Susa (Irán). Era conocido por los griegos con el nombre de Sardanapal, como Osnapeer en la Bíblia judeocristiana, un libro que condena a Babilonia como la zona oscura que castigó diós tras la construcción de la torre de Babel (¿un palacio, un templo, un zigurat que aún desafía a los vientos que la han configurado?). Es tan conocido este rey que todavía hoy mencionan su nombre los niños de las comunidades asirias que habitan en Irak, Turquía, Líbano, Irán y Siria, aunque un tercio de ellos continúa en la diáspora.

Pirámides

No se sabe bien el significado que entrañaba la forma de pirámide; tal vez la Pirámide Escalonada representase una escalera gigantesca por la cual el rey subiría hacia el Sol, y los lados inclinados de las últimas pirámides sugirieran los rayos del sol hacía el cual ascendía el rey. En el antiguo Egipto se creía que el rey estaba dotado de cualidades divinas que le situaban aparte del común de los mortales. Así como se suponía que en vida era la reencarnación de Horus, el dios del cielo, en la muerte se unía al dios del sol, Ra, y navegaba por el firmamento por su embarcación celestial.

De todos los monumentos de la antigüedad, ninguno ha atraído más a la imaginación que las tres grandes pirámides de Gizeh. Dentro de estos vastos montículos de piedra, un padre, su hijo y su nieto fueron enterrados en el siglo XXVI a. C. Fue la primera y más grande, la Gran Pirámide, construida por el rey Kéops (o Khufu), que fue sepultado en una cámara de granito en el centro de la misma. Está pirámide abarca cerca de seis hectáreas y contiene aproximadamente seis millones de toneladas de piedra; tiene 144 metros de altura, y su única entrada se levanta en la cara norte, a unos 17 metros del suelo. Los cuatro lados de la pirámide siguen, casi sin desviarse, la dirección norte-sur y este-oeste. La Gran Pirámide fue originalmente recubierta con piedra caliza de la mejor calidad, pero ya queda poco de ese revestimiento.

La segunda pirámide de Gizeh fue construida por el hijo de Kéops, Kefrén (o Khafra). Aunque ligeramente más pequeña, resulta en cierto modo más impresionante, por que en este caso se ha conservado todo el conjunto de la pirámide, que comprende, no solo la propia pirámide-tumba, sino también el templo funerario en el lado oeste, donde se hacían las ofrendas para su empleo en la otra vida por el rey muerto, además de la larga calzada que conduce desde el valle, y también el templo del mismo, edificado con altas columnas de granito, donde el cuerpo del rey era embalsamado antes el entierro. En un montículo de piedra caliza, situado junto a la calzada, fue esculpida la Gran Esfinge, reproducción del rey Kefrén en forma de león con cabeza humana.

La tercera pirámide de Gizeh, construida por el hijo e Kefrén, Micerino (Menkaura), abarca menos de la mitad del área de la Gran Pirámide construida por su abuelo.

Las pirámides fueron posibles de ser erigidas por un impulso religioso sumamente intenso de la civilización egipcia. Creían profundamente en la vida después de la muerte y en el origen divino del faraón, reencarnación de Horus, dios del cielo.

monografias.com / wikipedia.

Parc natural de l'Alt Pirineu

http://www.lleidatur.com/cat/altpirineu.html#foto

Maiernigg Komponierhäuschen

"La vida que llevó Mahler durante aquellos seis años fue siempre disciplinada. En verano se levantaba a diario a las seis o seis y media. Nada más despertarse llamaba a la cocinera, que de inmediato preparaba el desayuno, y por un camino peligroso y empinado, se lo llevaba a su estudio. Éste se hallaba en medio del bosque, a unos sesenta metros de la casa; la cocinera no podía ir por el camino normal porque él no soportaba su vista ni la de ninguna otra persona antes de ponerse a trabajar, así que cada mañana tenía que trepar con todos los cacharros por un camino muy resbaladizo. El desayuno consistía en café recién hecho, mantequilla, pan de Graham y mermelada (cada día una distinta). La cocinera ponía la leche en un infiernillo de alcohol, las cerillas al lado, y se apresuraba a marcharse por el mismo camino, para que Mahler no la viera subir .Y éste salía al instante, pues era rápido en todo lo que hacía, y encendía el fuego (casi a diario se quemaba los dedos, pues no era lo que se dice hábil, sino que siempre estaba absorto en algo, y por lo tanto distraído). Después se sentaba cómodamente en su casita, enfrente de la que había un banco y una mesa. La casa en sí no era más que una amplia habitación de muros de piedra con tres ventanas y una puerta de entrada. Yo tenía la sensación de que aquella casa no era muy sana para él, porque estaba en el bosque y no tenía sótano. Pero no podía hacer nada para impedirle estar allí, pues la adoraba. En la habitación había un piano y en las estanterías las obras completas de Goethe y de Kant. Por lo demás, sólo había partituras de Bach".

Alma Mahler
"Recuerdos de Gustav Mahler", 1939.

Supongo que es la única ocasión en la que tenemos una información tan detallada sobre la vida compositiva íntima de un músico. La casa se puede visitar, en Maiernigg am Wörthersee, Austria. http://www.gustav-mahler.at/.

Zadok the priest: Coronation Anthem

George Frederich Handel (1685-1759)

El calificativo "barroco" (=perla irregular, en portugués) es más bien peyorativo y lo divulgó la generación posterior (el clasicismo) que, al valorar las características fundamentales de la antigüedad, con sus formas claras y proporcionadas, rehuye de toda la grandilocuencia y complejidad barrocas. Los "neoclásicos" del siglo XVIII consideraron al Barroco una complicación excesiva y malévola, de los principios del Renacimiento, con el resultado de un estilo ostentoso y poco natural. Pero los románticos recuperaron el Barroco y aquellos compositores se re-descubrieron y volvieron a ser valorados. Esta dualidad valorativa sobre el Barroco aún perdura: hay quien encuentra los monumentos más grandes de la historia de la música, tanto técnica como expresivamente, en sus obras, mientras hay quien sólo ve fanfarronada y complicación superflua y sin sentido.

Fue un amplio período de ciento cincuenta años en la historia de la música (1600-1750) de una compleja valoración, donde se acentúan las diferencias entre países y entre culturas y estilos. En medio de una época de cambios y desórdenes, de malas cosechas y de guerras, el Arte intentaba representar este ambiente (quizás de ahí su falta de claridad), pero el sentimiento y el deseo de expresarse estuvieron más presentes aquí que en ninguna otra época.

Memorias

"El curso escolar 1938-1939 fue el último de mi Bachillerato y coincidió en su final con el final de la guerra civil. Cada vez era yo más feliz, más llena de amistad, de emoción con los asuntos amorosos de mis amigas (siempre me han interesado muchísimo las historias de amor de los demás, no como chisme, sino como enriquecimiento mío) y mi libertad sobre el fondo oscuro y de tormenta de rayos y truenos de mi casa familiar. Pero te juro: lo que yo he recordado siempre es aquel sentimiento vital que tenía yo. Muchas veces me iba andando desde mi casa a las Palmas. No seguía los diez kilómetros de carretera. Como era montaña, yo cortaba por atajos, en parte porque la caminata se reducía así de diez kilómetros a cinco o seis, pero, sobre todo, porque por la carretera siempre paraba algún automóvil de gente conocida para invitarme a subir. Yo era una chiquilla sensual en el placer que me daba simplemente estar viva, recibir el sol o la lluvia, o nadar en el mar, etc... Cualquier fenómeno natural -una tormenta o un amanecer, etc- me resultaba un espectáculo increíble. No he vuelto a leer desde hace mil años La Isla y los Demonios, pero tengo idea de que copié allí algunos trozos poéticos que escribí a los dieciséis años. Creo que son muy malos, pero pensé meterlos porque en el libro hay una chica de dieciséis años que sin ser yo, en algunos aspectos es mi contrafigura en aquella edad... (lo mismo que sucede con Andrea en Nada)".

Carmen Laforet (1921-2004).

Prelude from English Suite 3 - J.Sebastian Bach

Prelude from Holberg's Time (p.40) - Edvard Grieg

mi versión con algunos buñuelos... :-(

La suite al estilo antiguo de "From Holberg's Time op.40" fue primeramente compuesta para piano, y más tarde arreglada por el propio compositor para orquesta de cuerdas. Es muy popular aunque no su obra más famosa, el incansable Peer Gynt con su terrorífico pasaje "En el palacio del Rey de la Montaña". También su Piano Concerto en la menor es su obra más reconocida. La opus 40 es una suite de danzas al estilo diocechesco que compuso Grieg en 1884 para la celebración del 200º aniversario de Holberg, dramaturgo y humanista noruego-danés.

Edvard Grieg (1843-1907) es considerado un compositor nacionalista noruego del romanticismo tardío. Su obra se caracteriza por un lirismo muy particular influenciado por la música folklórica escandinava. En sus inicios compuso sinfonías y sonatas para violín o piano, pero son las piezas cortas para solo piano las que le ganaron el nombre del "Chopin del norte".

Hasta siempre, Saramago.

Saramago (1922-2010) se llevó consigo al féretro el Memorial do convento entre sus manos. Curiosamente es el único libro (de momento) que leí del autor y me pareció una gran y hermosa novela. En ella se cruzan dos historias. La historia de la construcción del convento de Mafra por órdenes del rey absolutista Juan V y en la que cientos de hombres trabajan como un ejército de hormigas sin descanso, donde muchos mueren, pero con la gracia de haber participado en la construcción de un edificio para el servicio a Diós... Y la miseria de una historia "histórica" bastante detallada e interesante se entremezcla con una bonita historia de amor, la de Baltasar y Blimunda, o Sietesoles y Sietelunas; dos humanos que destacan por su belleza, no la física, sino la sentimental. Él un ex-soldado manco de la mano izquiera, modesto y bueno, ella, una mujer campesina vestida con remiendos que tiene el don de saber ver a las personas por dentro, y cuyo atractivo físico se presupone a partir de su generosidad. No tienen hijos, pero se quieren de la manera más humana y cotidiana, comen de la misma cuchara, se abrazan a los sesenta en plena plaza, se escuchan y se acompañan. El cura Bartolomeo Lourenço representa un visionario para su época, que quiere construir una máquina para volar, y contará con la ayuda de la pareja. ¿Lo conseguirá? ¿cómo reaccionará la Iglesia? Y además aparece de segundas un gran compositor, Domenico Scarlatti, tocando sonatas en la noche. Lo recomiendo a todas las personas que tengan ganas de leer una buena novela, pero con atención! porque Saramago no pone signos de puntuación.

Pero seguro que Saramago no se queda solamente entre los libros. Ha sido un polémico para algunos, pero un sabio, un filósofo, un crítico, y periodista, y poeta, y dramaturgo, un soñador.

"Estos días azules y este sol de la infancia"

Dieron el pasado 16 de junio en la 2 un documental sobre la guerra civil. Unos arqueólogos estaban desenterrado una de las tantas fosas comunes que debe haber con cadáveres de muchachos muertos, y salió una viejecita preguntándose Por qué? a unos muchachos del pueblo que mataron... por qué los mataron? Estoy esperando a que alguien venga a explicarnos por qué. Por qué se hacen las guerras? Dios no quiere guerras, por mucho que digan que son santas o por algo santo. No, eso es cosa de los humanos". Unos arqueólogos explicaron que desgraciadamente muchos de ellos siguen trabajando en desenterrar cuerpos, aquí, en Bosnia, en Croacia... han estado trabajando siempre casi exclusivamente para eso. Hay otras viejecitas y viejecitos explicando sus recuerdos, y opinando que seguro que en los archivos militares pone dónde están sus familiares enterrados... pero no se lo quieren decir. Encontraron un esqueleto, y la viejecita al verlo dijo “Ése de ahí es mi hermano”. Fue bonito que recordara la mancha de su frente, la altura, y esa mirada que tenía, aunque imposibles a partir de un esqueleto, fruto de su enorme ilusión por encontrarlo. A su madre que se moría se lo prometió, que encontraría a su hermano. Pero después, las pruebas de ADN confirmaron que ninguno de ellos era de su familia. Y la pobrecita lloraba ante las cámaras de la desilusión.

Es una vergüenza que en este país, la gran mayoría de nosotros, mal-educados sobre la guerra franquista hasta por lo menos los noventa, no sepamos apenas nada sobre este tema, y que a día de hoy todavía se niegue el rotundo derecho de las víctimas directas e indirectas y sus familiares a un juicio justo, y a un entierro digno para los que lo desean. Se ande todavía con reticencias sobre cuál fue el bando malo -cuando debería estar claro- sin reconocer la puñetera realidad. Por no recordar la terrible querella contra el único juez que se atrevió a investigar el tema. Qué desafortunado está todavía el mundo español, lleno de hipócritas que rechazan reconocer acontecimientos históricos, y donde todavía muchos creen en la gran mentira (como dijo Tólstoi) del amor a la patria! Los fallecidos durante la Guerra Civil fueron olvidados poco a poco. Primero porque el régimen franquista lo impedía, después la transición española pidió paciencia y finalmente se argumenta que es tiempo de olvidar y perdonar.

Pues yo estoy con la nonagenaria del documental “Siempre días azules” (en alusión al último verso de Antonio Machado): Hasta que no se levante la tierra no tendremos paz.

· Rec

Una reportera y su cámara están haciendo un reportaje en una estación de bomberos. Con la intención de mostrar su trabajo de la manera más realista posible les acompañan a una de sus salidas nocturnas.
Lo que parecía una operación rutinaria se convertirá en un auténtico infierno cuando el equipo queda atrapado en el interior de un edificio. Ahora deberán enfrentarse a un horror desconocido y letal... sin dejar de grabar.

Un trozo de discurso del subcomandante Marcos

"Yo tengo un hermano muerto. ¿Hay alguien que no tenga un hermano muerto? Yo tengo un hermano muerto. Lo mató un bala en la cabeza. Fue en la madrugada del 1° de enero de 1994. Muy madrugadora salió esa bala. Muy madrugadora la muerte que besó la frente de mi hermano. Mucho reía mi hermano y ya no ríe. No pude guardar a mi hermano en el bolsillo, pero guardé la bala que lo mató. Otra madrugada le pregunté a la bala de dónde venía. Ella respondió: del fusil del soldado del gobierno del poderoso que sirve a otro poderoso que sirve a otro poderoso que sirve a otro en todo el mundo. No tiene una patria la bala que mató a mi hermano.

Tampoco tiene una patria la lucha que hay que hacer para guardar hermanos y no balas en los bolsillos. Por eso los zapatistas tienen muchas y grandes bolsas en su uniforme. No para guardar balas. Para guardar hermanos. Para eso deben ser todas las bolsas. (...) Salud y sabed que si los ladrones nos piden la bolsa o la vida, tendrán que llevarse la vida. "

De "PONENCIA A 7 VOCES 7" (Fragmento).
Subcomandante Marcos / Desde las montañas del Sureste Mexicano (Planeta Tierra, julio del 96).

Ataque contra una Ayuda

http://english.pnn.ps/index.php?option=com_content&task=view&id=8312&Itemid=58

“En las horas de antes del amanecer del 31 de mayo yo estaba abordo del barco Turco Mavi Marmara, parte de un convoy de navíos de ayuda humanitaria que pretende entregar asistencia a los asediados civiles de Gaza, cuando fuimos atacados en aguas internacionales por una unidad del ejército israelí. Nuestro barco fue inspeccionado por agentes en Turquía, miembros de NATO, quienes confirmaron que no había armas a bordo. Ni siquiera producidas por Israel! Lo que a bordo había eran cientos de pasajeros representantes de docenas de países que querían entregar materiales de ayuda tan necesitados para la gente de Gaza. Estos palestinos sufren bajo un cerco ilegal (primero impuesto por Israel en 2005, después duramente forzado desde 2009) el cual ha sido condenado por Amnistía Internacional como una flagrante violación a las leyes internacionales.

Los pasajeros de nuestro barco, oficiales, diplomados, profesionales de los media, y trabajadores pro-derechos humanos, veíamos esta flotilla como un acto de protesta pacifista. Un poderoso navío de Israel podría haberse aproximado fácilmente a nuestro barco y subir, durante las horas de día, y tomar otras opciones no violentas de bloquear nuestra ayuda. Pero en lugar de eso, planearon un asalto por la noche con soldados armados. Bajo ataque, hubo escaramuzas entre algunos pasajeros con los soldados que nos rodeaban usando palos de escoba y otros instrumentos que tenían a mano. Los soldados y comandos dispararon y mataron a nueve de nosotros, dañaron seriamente a docenas de los demás. Otros están todavía desaparecidos. El número de muertos aún no se ha determinado.

Temí por las vidas de mis compañeros mientras escuchaba los disparos de fuego en la cubierta, y ví los cuerpos de varios de ellos, muertos, siendo traídos hacia dentro del barco. Pensaba que los soldados dispararían al cielo o hacia las piernas, pero lo que ví fue gente que había sido disparada varias veces en el pecho y en la cabeza. Cuando pasó todo, los soldados israelíes reclutaron nuestro barco, nos raptaron ilegalmente (desde aguas internacionales), y nos condujeron hacia el puerto de Ashdod, arrestándonos a todos los que estábamos a bordo. El gobierno israelí ha confiscado todos nuestros equipos de vídeo, grabaciones, teléfonos móviles y cuadernos de notas. Detuvieron a todos los periodistas a bordo y les impidieron durante días que contaran lo que había sucedido. Los Estados Unidos, en nombre del consejo de Seguridad israelí, ha intentado bloquear total o parcialmente una investigación internacional del incidente.

Sin embargo el mundo ya ha expresado como atrocidad un hecho básico: no hay justificación alguna para lanzar tal embestida mortal de ataque armado en la oscuridad de la noche a un convoy de ayuda humanitaria.

El gobierno israelí niega que su cerco de castigo en Gaza sea fuente de penurias para los civiles allí. Mientras muchas personas trabajan en los medios para crear confusión, la verdad está clara para todo aquél que se acerque y mire lo que ocurre con cuidado: La abrumadora y aplastante conclusión de grandes autoridades en pro de los derechos humanos es que el gobierno de Israel, como no acepta la legitimidad del gobierno elegido de Hamás, está llevando a cabo una política de “castigo colectivo contra la población civil” ilegal según la ley internacional.

Con respecto a la flotilla donde yo estaba, el gobierno ha dicho que se habría permitido nuestra ayuda en Gaza por tierra si la hubiéramos intentado entregar por otros canales. Pero esos “otros canales” (restrictivos check-points que han rechazado constantemente las ayudas médicas de la Organización Mundial de la Salud y denegado el paso de ayuda alimentaria por parte de las Naciones Unidas) son la verdadera fuente de crisis humanitaria.

Los medios de comunicación de Israel mantienen que la flotilla de “Gaza libre” es una provocación. Lo era, en el sentido de los derechos civiles de protestantes sudamericanos que vieron como las respuestas de oposición de los segregados eran una provocación para los segregacionistas, o en el sentido de que cualquier protesta no violenta contra actos ilegítimos de un gobierno son por definición provocaciones. Bajo un cerco ilegal, la entrega de ayudas a los palestinos es un hecho prohibido; y el intento de nuestro convoy humanitario era violar esta injusta prohibición.

Al menos nueve de mis compañeros han sido asesinados por los militares de Israel, en un intento de desobedecer las prohibiciones y entregar ayuda. Muchos más son los palestinos que han muerto como resultado del mismo asedio. Lo ha que ha pasado en nuestro barco está ocurriendo en Gaza cada día. Y no parará, hasta que las leyes internacionales se apliquen para todos los países por igual, incluyendo al estado de Israel”.

Iara Lee
Cámara y co-fundadora de la Fundación Caipihinha de San Francisco (www.culturesofresistance.org/caipirinha-foundation).

Gaza

"Los judíos tendrán su territorio, los americanos su dinero.

Y los palestinos lo verán desde el cielo".

Erlkönig

Wer reitet so spät durch Nacht und Wind? Who rides so late through the night and wind?
Es ist der Vater mit seinem Kind; It's the father with his child;
Er hat den Knaben wohl in dem Arm, He has the boy safe in his arm,
Er faßt ihn sicher, er hält ihn warm. He holds him secure, he holds him warm.

Mein Sohn, was birgst du so bang dein Gesicht? -My son, what makes you hide your face infear?
Siehst, Vater, du den Erlkönig nicht? Father, don't you see the Erlking?
Den Erlenkönig mit Kron und Schweif? – The Erlking with crown and flowing robe? –
"Mein Sohn, es ist ein Nebelstreif". “My son, it's a wisp of fog.” –

«Du liebes Kind, komm, geh mit mir! “You dear child, come along with me!
Gar schöne Spiele spiel' ich mit dir; Such lovely games I'll play with you;
Manch bunte Blumen sind an dem Strand, Many colorful flowers are at the shore,
Meine Mutter hat manch gülden Gewand.» My mother has many a golden garment.”

Mein Vater, mein Vater, und hörest du nicht, My father, my father, and do you not hear
Was Erlenkönig mir leise verspricht? – what the Erlking promises me so softly? –
"Sei ruhig, bleibe ruhig, mein Kind; “Be quiet, stay quiet, my child;
In dürren Blättern säuselt der Wind." – In the dry leaves the wind is rustling.” –

«Willst, feiner Knabe, du mit mir gehn? “Won't you come along with me, my fine boy?
Meine Töchter sollen dich warten schön; My daughters shall attend to you so nicely.
Meine Töchter führen den nächtlichen Reihn, My daughters do their nightly dance,
Und wiegen und tanzen und singen dich ein.» And they'll rock you and dance you and sing you to sleep.”

Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht dort My father, my father, and do you not see over there
Erlkönigs Töchter am düstern Ort? – Erlking's daughters in that dark place? –
"Mein Sohn, mein Sohn, ich seh es genau: “My son, my son, I see it most definitely:
Es scheinen die alten Weiden so grau." It's the willow trees looking so grey.”

«Ich liebe dich, mich reizt deine schöne Gestalt; “I love you; I'm charmed by your beautiful form;
Und bist du nicht willig, so brauch ich Gewalt.» And if you're not willing, then I'll use force.”

Mein Vater, mein Vater, jetzt faßt er mich an! My father, my father, now he's grabbing hold of me!
Erlkönig hat mir ein Leids getan! – Erlking has done me harm! –

Dem Vater grausets, er reitet geschwind, The father shudders, he rides swiftly,
Er hält in Armen das ächzende Kind, He holds in (his) arms the moaning child.
Erreicht den Hof mit Mühe und Not; He reaches the farmhouse with effort and urgency.

In seinen Armen das Kind war tot. In his arms the child was dead.

Poema de Johann Wolfgang von Goethe
... Música de Franz Schubert.

Piano arrangement of the Champions Theme

La fille du Régiment

Ayer asistí a la ópera en directo desde el Liceu para la universidad: La fille du Régiment. Es una ópera cómica, hecha para ser atractiva al público, con una historia sencilla, una música que responde al belcanto romanticista, propio del momento, del compositor Gaetano Donizetti, residente en parís cuando se estrenó, en 1840. Allí estaban también Chopin y Liszt virtuosos del piano; París era la ciudad del éxito para la música, como lo era Viena en otro tiempo. Muchos compositores que no consiguieron del todo el respeto de Rossini, Verdi o Wagner, trabajaban en la ópera buffa napolitana o en la ópera Cómique française bajo las exigencias de estos teatros y para todos los públicos, en busca del éxito.

Por lo tanto es todo una broma. Es una broma la historia de una niña abandonada que es "apadrinada" por el ejército y que por lo tanto tiene muchos padres. Es una broma aunque muy bonita su historia de amor con Tonio, un jovencito que se hace soldado y encima se cambia de bando (del Tirol, al francés) para estar cerca de ella. Es una buena forma de conseguir el éxito en el París de aquél momento, cuando los restos de Napoleón fueron traídos para ser enterrados allí y se respiraban las ganas de gritar Libertad! La gente salía de aquél espectáculo gritando el aria final de Salut à la France! y con la sonrisa de oreja a oreja y ésa era la intención. La ópera está cargada de situaciones cómicas, pero tiene dos emotivas arias que, en corcondancia con la experiencia y agilidad musical del compositor, la hacen una ópera cómica hecha con gusto para llegar a todo el mundo.

Cuando esta ópera, después de su éxito rotundo, fue representada numerosas veces en vida del compositor, Berlioz se quejó de que la suya propia, Benvenuto Cellini, no hubiera pasado de las tres o cuatro. Y es que ésta era una ópera hecha para ser disfrutada, con todos sus estereotipos, sus simples personajes, el humor propio de una tragicomedia para teatro... El único interés musical recae en el bel canto, en el lucimiento de las voces. El rol más importante es el de Marie, que es la hija del Régiment, aunque el aria más famosa es la del tenor, Tonio. Esas notas se hacían en falsetto por la dificultad de cantar el do5, aunque los nueve dos de pecho entusiasmaron ayer al público del Liceu. Ayer vimos lo nunca visto en una ópera: un Bis.

Donizetti escribió unas 72 o 73 óperas y muchas de ellas tienen título femenino. Sabía del éxito que suponían las soprano coloraturas para el bel canto romántico, y a ellas dedicó los personajes más importantes y las arias y cabatinas más líricas. En esta ópera quedaba demostrada su enorme capacidad para incidir en las situaciones cómicas a través de la música: Cómo un ejército puede caminar a tempo de 3/4 (propio del vals y no de una marcha militar!). cómo representa a una anciana burguesa requetepeinada con una música anticuada y barroca, cosas así al público le iban a hacer reír de inmediato. El do de pecho se debe también al éxito que tuvo un tenor al cantar unas notas muy agudas de pecho. Donizetti propuso entonces no 1 sino 9 dos de la quinta octava en la famosa aria "A mes amis, Pour mon âme".

Le Sacre du Printemps

Diaghilev había encargado a Stravinsky la composición de un nuevo ballet. El empresario de origen ruso quería rendir un homenaje a su tierra natal con la creación de un ballet que girase en torno a las tradiciones de la Rusia ancestral.

El argumento Abarca la historia del rapto y sacrificio de una muchacha ante su tribu para celebrar la primavera, en los albores de la humanidad. Para ello, se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad, evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. Es este argumento el que condiciona a Stravinsky para diseñar una obra llena de recursos rítmicos y percusivos, casi salvajes, que rozan lo obsesivo. Esta naturaleza percusiva choca con la ausencia de instrumentos de esta familia, exceptuando una batería de timbales y consiguió este efecto martilleante utilizando a la orquesta como un gigantesco instrumento de percusión. Stravinsky emplea con generosidad polirritmos, síncopas, combinaciones irregulares de figuras y cambios constantes de medida... Todo resultaba demasiado novedoso.

La coreografía de Nijinsky y el vestuario excesivamente liviano de los bailarines resultaron ser demasiado provocativos para la conservadora sociedad parisina del momento. Las crónicas de la época relatan que el público preparó tal pataleta que la música apenas resultaba audible. Los golpes y gritos de protesta de los unos se mezclaban con la euforia y los aullidos de apoyo de los otros. El mismo Saint-Saëns gritaba consignas en contra de la música interpretada. Participaron incluso las damas, llegando a concertarse varios duelos que al día siguiente se llevaron a efecto. Tal reacción fue justo lo que quería el propio Diaghilev.

Se presentó un ballet que, de pronto, se apartaba abruptamente del refinamiento y la exquisitez que había caracterizado y distinguido al ballet clásico decimonónico, que era a lo que la gente estaba acostumbrada. Stravinsky, en su afán de remitirse y describir un ancestral rito pagano, creó con ello un lenguaje musical de un carácter y originalidad única, que sorprendía a todos, a toda una generación, a toda una época. Aquella función inaugural de La Consagración de la Primavera en el Teatro de los Campos Elíseos fue la más peligrosamente agitada jamás vista en el teatro en tiempos modernos, al menos desde el estreno de Hernani más de ochenta años atrás. El público en el Teatro de los Campos Elíseos, aquella noche de mayo en París, naturalmente, no tenía la menor idea de que estaba asistiendo a un suceso histórico. El título del nuevo ballet de la compañía de Diaghilev no parecía una amenaza contra el buen gusto y, por demás, la pieza con que se iniciaba el programa de la noche, Las Sílfides, coreografía de Fokine con la música hermosa pero escasamente inquietante de Chopin, era apropiadamente pacífica y burguesa. Después de todo, son más dignos de lastima que de desprecio aquellos pobres espectadores parisinos, que después de Chopin fueron sometidos sin previo aviso a la partitura de Stravinsky, compuesta, según dijo su propio autor, de acuerdo con ningún sistema conocido. "Yo tenia solo mi oído para ayudarme. Yo oía, y escribía lo que oía". La partitura, con sus variaciones extremas de ritmo, sus innovaciones armónicas y su muy heterodoxa organización, ejecutada, además, por una enorme orquesta en la que los vientos y la percusión habían sido exageradamente reforzados y en la que cada instrumento pugnaba con ferocidad para ser escuchado sobre el resto, tenía que aterrar a los espectadores profanos si hasta a Debussy dejó estupefacto.

La gente en general se ofendió mortalmente por lo que creía era un ataque premeditado contra el arte, chillaba, abucheaba, arrojaba los programas. Furiosos espectadores comenzaron a pelear entre sí. Algunos la emprendieron contra Maurice Ravel, que aplaudía vivamente, llamándolo "sucio judío". En la escena, los bailarines de Diaghilev ejecutaban la radical coreografía de Nijinsky, que rayaba en lo físicamente imposible. "Con cada salto, aterrizábamos tan pesadamente como para reventar cada órgano de nuestro cuerpo", recordaría uno de aquellos pobres bailarines. Entre bambalinas, un frenético Nijinsky daba instrucciones a gritos y contaba los pasos. Alguien del público dio voces para que acudiera un doctor, creyendo que los bailarines habían caído todos en una especie de colectiva epilepsia. Diaghilev pidió calma a los espectadores, pero nadie lo oyó. El publico lo cubrió de insultos, a él, al compositor y a los bailarines. Diaghilev ordenó entonces hacer flashes de luz, pero aquel remedio fue terriblemente inefectivo, y en lugar de calmar al publico, lo condujo al paroxismo. En medio de aquel pandemonium, Pierre Monteaux tuvo el infinito coraje de conducir la orquesta hasta el final de la partitura, emulando heroicamente a sus colegas del Titanic, hundido apenas un año antes.

Cuando terminó la función, Diaghilev, Nijinsky y Stravinsky huyeron hacia el Bosque de Bolonia. En aquel momento, tanto el compositor como el bailarín-coreógrafo se sentirían profundamente heridos en su orgullo, pero Diaghilev, que no tenía más talento, aunque ya ese fuera muy grande, que el de reconocer a los verdaderos artistas y las manías del público, sabía sin dudas que aquella noche los Ballets Rusos habían conquistado definitivamente a esa veleidosa, la inmortalidad. El siglo XX, aunque con retraso, había llegado a los teatros.


En Londres, el ballet creado por Diaghilev, Stravinsky y Nijinsky, con decorados y vestuario de Nicolás Roerich, fue presentado en el antiguo Teatro Real de Drury Lane apenas cinco semanas después de su estreno en París. Extrañamente, la Inglaterra conservadora de Jorge V acogió más benévolamente La Consagración de la Primavera que el París republicano y democrático de las vanguardias. El Daily Mail, como era de esperar, aborreció el nuevo ballet, pero The Times fue mucho más sensible en su apreciación. "En La Consagración de la Primavera”, escribió el crítico de The Times, "las funciones del compositor y el productor están tan balanceadas que es posible ver cada movimiento en la escena y al mismo tiempo escuchar cada nota de la partitura. Pero la fusión entre ambas es aún más profunda. La combinación de los dos elementos, de la música y la danza, realmente produce un resultado nuevo, un híbrido, que se puede expresar en términos del ritmo -tanto como la combinación del oxígeno y el hidrógeno produce una nueva sustancia, el agua". No hubo en Londres barahúnda similar a la ocurrida en París la noche del estreno del ballet, el 29 de mayo de 1913.

A lo largo de los años, la partitura de Stravinsky atraería a numerosos coreógrafos, desde Massine hasta Martha Graham, desde Maurice Bejart hasta la propia Pina Bausch, pero ninguno causaría conmoción semejante a la del ballet del infortunado Nijinsky. Cuando la propia coreografía de Nijinsky fue reconstruida por el Joffrey Ballet en 1987, setenta y cuatro años después, el público, según noticias, se comportó de la forma más civilizada.

La obra original se divide en las siguientes escenas:

Primera Parte: Adoración de la Tierra
Introducción
Augurios Primaverales. Danza de las Adolescentes
Juego del Rapto
Rondas Primaverales
Juego de las Tribus Rivales
Cortejo del Sabio
El Sabio. Danza de la Tierra

Segunda Parte: El Sacrificio
Introducción
Círculos Misteriosos de las Adolescentes
Glorificación de la Elegida
Evocación de los Antepasados
Acción Ritual de los Antepasados
Danza Sagrada. La Elegida

Fuentes: Wikipedia, aula-el mundo, leiter.wordpress, danzaballet.com.
Juan Orlando Pérez

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Breve historia del violonchelo

El violonchelo surge directamente de la viola (família del violín), y no de la viola da gamba como se tenía pensado debido a su semejanza física. Apareció en Italia, alrededor de 1530.

Vivaldi (s. XVII) ya compuso 27 conciertos para violonchelo, y en la segunda mitad del siglo XVIII Luigi Boccherini, violonchelista virtuoso, dedicó 12 conciertos a este instrumento. Con la gran popularidad que tuvo como bajo continuo, acabó por desplazar totalmente en este período a la viola da gamba, y se consolidó como instrumento recurrente en las agrupaciones de cámara. El violonchelo barroco es prácticamente idéntico al violonchelo moderno. Todavía se conservan muchos ejemplares y además se siguen fabricando, ya que los músicos que interpretan obras barrocas consideran que la sonoridad de estos instrumentos es mucho más adecuada. En esta época se usaban cuerdas de tripa, no las cuerdas metálicas que se usan ahora, y le daban una sonoridad completamente distinta.

El la de los instrumentos barrocos estaba afinado en 415 Hz en lugar de los 440 Hz de la actualidad, debido en parte por esas cuerdas no metálicas y por la menor tensión que sufrían éstas. Su sonido se proyectaba menos.No es hasta el Romanticismo musical (s.XIX) cuando llega la Edad de Oro del violonchelo, teniendo a partir de entonces un lugar importantísimo en la orquesta sinfónica.

Desde el siglo XX, las mujeres comienzan a ser intérpretes de violonchelo, cosa que no había ocurrido antes. Durante mucho tiempo, solo las mujeres de clase alta podían tener acceso a los instrumentos musicales, y aún así han existido prejuicios contra las mujeres instrumentistas, sobre todo para el violonchelo por la postura de sujeción entre las piernas, considerándola poco aristocrática e "impropia". Con el redescubrimiento de las suites para violonchelo solo de J.S.Bach, Pau Casals abrió las puertas a una nueva generación de violonchelistas. En los años noventa se utiliza el violonchelo además para música pop, rock e incluso heavy metal, con la aparición del violonchelo eléctrico.